第六屆台北當代藝術博覽會將於 2025年5月9日至 11日在台北南港展覽館舉辦，今年展會規劃三大展區，從國際指標畫廊、當代大師作品，到新銳藝術家的實驗創作，一次網羅不同世代的精彩作品。本文特別整理今年必看的10大作品，以及三件必做精彩體驗，提供當代藝術新手，逛展絕佳指南！

抽象表現主義大師塞‧湯伯利（Cy Twombly）的天價作品《Muses》 

「當代網域」展區雲集全球知名畫廊與台灣指標藝廊，帶來橫跨東西方的藝術經典與當代代表作，其中由首次來台灣的德國畫廊Karsten Greve帶來的美國藝術家塞‧湯伯利（Cy Twombly）於1963年創作的《Muses》，屬不容錯過的焦點作品之一。作品融合多重媒材，以自由筆觸與詩意書寫展現藝術家獨特的抽象風格，《Muses》靈感來自希臘神話的靈感女神，畫面如同詩句般斷裂卻富含情感，充滿直覺性與精神性的強烈張力。據台北當代聯合總監岳鴻飛訪談中分享，這件作品的估價可以到新台幣三億左右，是值得一看的大師級作品！ 

1.雕塑界女王路易絲．布爾喬亞（Louise Bourgeois）經典雕塑再現 

另一件來自Karsten Greve畫廊的重要作品，是女性主義雕塑先驅露易絲・布爾喬亞於1947至1949年間創作、2001年翻鑄的青銅雕塑《Woman with a Secret》。作品高近160公分，以細長的人形姿態詮釋女性身體與內在情緒的作品，延續藝術家對家人、創傷、記憶與性別議題的關注。這件作品有很高的收藏價值，市場估價可達新台幣1億元，首次在台公開展出，絕對是本屆展會的亮點之一。 

2.把街頭塗鴉帶到畫布上的美國藝術家肯尼·沙夫(Kenny Scharf)的《CHAIN GANG》

 巴黎知名畫廊阿爾敏・萊希（Almine Rech）首次參與台北當代，帶來多件作品，其中一件就是《CHAIN GANG》（2022）是美國藝術家肯尼·沙夫(Kenny Scharf)近期創作之一，作品用非常特別的噴漆塗鴉呈現，應用鮮明的霓虹色調與誇張卡通樣貌突顯其標誌性，讓觀眾一窺潮流與藝術結合的當代表現力。

3.美國普普藝術家 湯姆．韋塞爾曼（Tom Wesselmann）代表作來台

一樣由阿爾敏・萊希（Almine Rech）畫廊帶來美國普普藝術大師湯姆．韋塞爾曼（Tom Wesselmann）於1967至1975年間創作的珍貴紙上習作《Study for Great American Nude #95》，這件作品是作者《偉大美國裸體》（Great American Nude）系列的習作之一，作品以鮮明、衝突的視覺描繪女性身體輪廓，雖尺寸不大，卻充分展現藝術家簡化構圖與大膽表現的風格，亦可視為作者對藝術史上裸女主題的當代回應及詮釋。 

4.美國雕塑家托尼・麥特里（Tony Matelli）精彩的個展 

來自北京馬刺畫廊的托尼・麥特里（Tony Matelli）以其超現實風格與戲謔感知挑戰觀眾視覺極限。本屆展出作者兩件精彩作品：《Foot (Orange)》（2021）以斷足為主題，結合石膏與柳橙，展現真實感與荒謬感並存；《Head, Hotdog and Bread》（2020）則呈現一顆人頭與熱狗及麵包的場景，作者透過水果、食物等易腐物與雕像搭配，藉此突顯時間流動與永恆凝結間的張力。 

5.空間中的感知挑戰──安尼施·卡普爾（Anish Kapoor）《Dark Lime to Lime Gold Light》 

英國當代雕塑家安尼施·卡普爾（Anish Kapoor） 最新作品《Dark Lime to Lime Gold Light》（2024）由義大利常青畫廊（Galleria Continua）展出，以拋光不鏽鋼與漆料打造出如鏡面般的光學曲面，作品表面呈現不同的光澤變化，隨觀眾視角移動而產生空間扭曲與視覺錯覺，帶來獨特的觀看體驗。作者一向以大型公共藝術與極簡空間感知裝置聞名，此次作品值得觀眾前往參與及欣賞。 

6.美國影像裝置藝術家托尼·奧斯勒（Tony Oursler）新作品《Eu/An》

由東京澡堂畫廊（SCAI THE BATHHOUSE） 展出的《Eu/An》（2024），是美國影像裝置藝術家托尼·奧斯勒（Tony Oursler） 的新創作。作品是一幅晶體結構形式的彩色鏡面與數位螢幕，營造出介於現實與虛構、科技與情緒之間的情境。《Eu/An》延續藝術家對數位科技、科幻與裝置間的應用，鏡面表面同時讓觀眾映照自身成為作品的一部分。

7.以傳統工藝創造藝術詮釋──鄭多惠（Jeong Da-Hye）《Weaving Time II》

在「藝韻匠心」展區聚焦結合材質、技藝的精彩作品，香港Soluna Fine Art 展出的《Weaving Time II》（2023）由韓國藝術家鄭多惠（Jeong Da-Hye）創作，作品看似提籃卻輕如蟬羽，藝術家運用韓國傳統馬毛編織技藝創作，以當代藝術視角重新詮釋傳統的精湛技藝。 

8.以繪畫呈現原住民編織之美──Kieren Karritpul《Blue Fish Trap》

 來自澳洲的原住民藝術家 Kieren Karritpul，透過《Blue Fish Trap》（2022）展現對傳統文化與自然環境的深厚連結。這件畫作於專注新銳藝術家的「新生維度」展出，由雪梨的科馬畫廊（COMA）帶來這件作品，藝術家以交錯縫線抽象線條，營造出強烈節奏感與文化象徵性，更展現出深刻的土地連結。 

9.張徐展藝術家的《白蟻餵食秀》錯過金馬來台北當代看 

今年另外一個亮點展區「斷電」為第二屆「台灣藝術家特展」，由文化部共同主辦，邀請三位橫跨新媒體、動畫與裝置創作的藝術家參展。動畫藝術家張徐展首次以實拍結合動畫，《白蟻餵食秀》作品構築出一場荒謬卻引人深思的動物世界「餵食秀」，以白蟻作為象徵，隱喻人類汙染環境並改變白蟻的飲食習慣，因而開始大吃電纜的寓言故事，動畫中由人所扮演的電纜，被白蟻大塊朵頤，以荒謬的方式反思人類與生態間的關係。 

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除了逛展3件台北當代必做體驗 

參加「思想串流論壇」，與藝術對話 

博覽會期間舉辦的「思想串流論壇」（Ideas Forum）將以「緣線交織」為主題，邀請來自國內外的重量級策展人與藝術家展開深度對談。現在就報名參加，一睹海內外知名策展人的精采對話，讓看展體驗更具啟發性。 

品嚐限定美食與調酒，讓味蕾也沉浸藝術氛圍 

今年展會首度集結三大品牌打造專屬餐飲空間，由寒舍艾美冠軍調酒師打造的 Le Meridien Taipei/TIPSY Sparrow Bar，帶來創意雞尾酒體驗；主打台式米食的「心潮飯店」的進駐也觀眾可以一嚐靈感入菜的創意料理；而Koshi Café 也將於會場帶來「當代限定 KOSHI 可樂」的聯名飲品，值得逛展民眾造訪品嚐，讓味蕾也沉浸藝術氛圍。 

選購聯名商品與風格選物，收藏屬於你的藝術日常 

逛展之餘，別忘了走進 Koshi Café 選物區，現場推出多款與台北當代聯名的限量商品，另外CASETiFY今年首度成為台北當代的官方夥伴，讓隨身的手機殼也能傳達藝術品味轉身為時尚配件，讓藝術以全新形式走入日常，從藝術靈感延伸到日常生活，讓美感不只留在展場。 

藝術與設計間 環境與永續的辯證

藝術與永續，在永續風潮興起的近幾年間逐漸被納入討論範疇，儘管「永續藝術」一詞近期才發展成型，但在此之前，許多創作者、藝術家就已經實踐了相應的價值。實際上，藝術作為一種反映人類情感的媒介與行為，早在 19 世紀時就已開始轉向永續──當時部分藝術家為展現對工業化的抵制，將繪畫重點轉移到自然環境，就可以說是我們認知上西方藝術界向永續轉變的開始，這些藝術家引入了一種思維方式的新轉變，在作品中更加尊重和美化自然環境。而自 1950 年代開始，藝術家們不再以自然作為唯一主題，而是將其視為實際材料，人們越來越意識到氣候變遷的重要性，也促使藝術家開始在他們的創作中傳達、強調永續相關主題，並試圖通過作品引起社會注意。到了1960 與 1970 年代，更多藝術家挑戰傳統的畫廊模式，創作專屬某地並使用地球和環境作為媒介的作品，這些作品也被稱為大地藝術（Land Art），作品也可說是永續性藝術（Sustaiable Art）一詞的起源與初始。

到了現代，因為傳達媒介的多樣化，永續藝術也有了多種定義與展現。藝文界除了透過藝術作品傳達情緒、引起思辯的本質來引導觀賞者思考，更有許多先鋒組織正透過倡議要求藝文界產生改變。例如美國百老匯聯盟旗下的百老匯綠色聯盟（Broadway Green Alliance），2008 年時就已經推出大量計畫，致力讓百老匯的音樂劇產業變得更加環保永續，包含每年在時代廣場舉辦的電子垃圾收集活動，還有確保永續概念納入百老匯演出的每個環節的「綠色隊長計畫（Green Captain Programs）」，邀約對劇院相關永續有興趣的人們成為倡議者。著名的英國非營利組織茱莉的自行車（Julie’s Bicycle）則長期倡議藝文產業減碳活動，也與英國藝術協會合作，為歌劇團、美術館與博物館等組織提供研究與檢測碳足跡的工具，致力以科學與專業促使藝術和文化成為應對氣候、自然和正義危機的一份子。人們持續反思藝術文化在永續當中所扮演的位置，並透過探索、提出更多對永續的疑問；而過往肩負公共教育責任的藝文場所，則擔任起觸發民眾反思的積極角色，讓作品不再只是被凝視，而是創新想法的揭示者。

視覺作品與社群 衝擊思維帶來思考

提到藝術作品或展覽，對許多民眾來說或許仍有距離感，甚至是陌生的；但其實視覺作品、影音畫面，也是藝術的一種形式。特別是在現代科技的發展下，網路媒體與社群的普遍性，則讓影音成為更能迅速引起反響的媒介，也讓部分能引人注目的作品成為流量之選。例如最早將北極熊與環保意象連結，就是源自一系列攝影師的社群作品── 2015 年時，德國野生動物攝影師 Kerstin Langenberger 於臉書發布在斯瓦爾巴群島（Svalbard）拍攝的北極熊照片，並猜測其飢餓瘦弱的模樣是因為氣候變遷讓海冰減少，導致北極熊難以獲得充足獵物；同時，有更多不同攝影者的類似照片在網路流傳，2017 年國家地理（National Geographic）攝影師的紀錄《Starving Polar Bear》更是在全球廣泛引起關注迴響。

另一個點燃全球對環境重視的案例，即為 2015 年海龜因塑膠吸管堵塞鼻孔而痛苦掙扎的影片，這起風潮促使全球超過 15 個國家頒布一次性塑膠製品的禁令，且根據非盈利組織海洋保護協會（Ocean Conservancy）2023 年的報告，海灘清理中發現塑膠吸管的頻率也從 2019 年第三大最常見的收集物品降至第 10 位。這些媒體傳播揭露的現實，與直至今日我們提到永續環保時仍能下意識想起北極熊、海龜的深遠影響，都證明了當代社會下，視覺作品將更能喚起同理心，並提高個人與自然世界之間的聯繫感與瞭解的力量。

更多人也正透過攝影作品與展覽，試圖引發社會對不同面向永續議題的思考。像是在 2024 年鳥類攝影獎中獲得環保類頭獎的作品《When Worlds Collide》，紀錄了遭到城市建築「窗殺」的鳥類，超過4,000隻鳥兒的遺體被排成一個個巨大同心圓，如此震撼的畫面，期待引起更多對城市建築反光對動物們帶來致命影響的注意。

除影視外， 2019 年藝術家克勞斯李特曼（Klaus Littmann）就曾於奧地利的韋爾特湖球場足球場（Wörthersee Stadion）內，打造大型的森林裝置藝術《For Forest》，移植將近300 棵樹到足球場上，創造出中歐原生森林的印象，以此提醒人們也許有一天，大自然將只能像這樣出現在類似博物館的空間內，成為展品供人觀賞，而這奇異的主題也在社群媒體上引起打卡的風潮。

在台灣，除了齊柏林導演著名的《看見台灣》系列電影帶領更多人關注，揭發台灣面臨的自然環境污染與舞弊事件；還有顏蘭權導演在暨《無米樂》後，歷時八年，再次於去年發布紀錄片《種土》，描繪因長年使用化肥與農藥而漸漸成為「死土」的土壤，運用影像喚起大眾對土壤健康議題關注；以及近 40 年來都為環境議題耕耘奔波的柯金源，累積出 20 多萬張環境紀錄圖像與紀錄片、書籍等，紀錄台灣的自然變遷，促使更多人投入不同層面的環境保護，至今仍服務於公共電視台。另外，台灣的新銳藝術家張徐展，也以定格動畫敘述氣候變遷所導致的生態環境變化，白蟻的飲食習慣改變並轉而食用人造電纜的故事，作品於鹿特丹影展首映，並將於今年台北當代的「斷電」展區展出。這些影視、藝術創作者，透過現代藝術媒介與多元媒體傳播方式，引起更多群眾對環境的關注，也啟發更多的批判性地思考，來想像自身在保護環境中的角色與力量。另一方面，這也在網絡世代中形成不同於傳統政治與新聞媒體的新興能量，讓各種活動與討論能有機會擴大傳播範圍，讓藝術、知識不再如此難以企及。

理念與實際的距離 以設計拉近建構全新日常

然而在現實層面來看，就算各種照片、影片與展覽掀起迴響，真實數據仍令人沮喪。不僅全球平均氣溫持續上升，根據 OECD 的報告全球塑膠的使用與生產量早已在 2020 年達到了 4.35 億噸，預計會持續以更快的速度增加。藝術創作或許可以帶來反思、挑起爭論，甚至是簡化複雜的概念，並讓更廣泛的觀眾接受且迅速傳播，但很多時候生活中對於藝術所傳遞理念的實踐仍難以企及。如何讓藝術中傳達的永續想法、甚至是美感得以進入生活，我們能利用的或許是一直在使用和藝術之間找尋共通語言的「設計」的力量。而怎麼將對世人的詰問轉化為對生活有價值的實體呈現，使永續價值組成日常的每個角落，則是現下許多設計不斷應用與發展新材料，甚至轉化舊有生產流程的原因之一。

生活中的食衣住行，除了近年討論熱烈的綠建築與建材、快時尚服飾業等問題外，從食品、音樂到娛樂都可能涉及碳排放與污染。那些過往被視為無煙囪產業的領域，經常忽視了現代計算碳排放時提及的「範疇三」。在受到各項倡議以及社會期待的影響下，不少創作者與藝人都開始在設計發行作品中更關注永續性。像是著名英國樂團 Coldplay 除了在演唱會各方面推動減碳，如重複回收使用 100% 可堆肥的植物材料腕帶，首創發行以寶特瓶回收製成的環保黑膠唱片（Eco Record）和環保CD（Eco CD），預計碳排放量會比傳統製作分別減少 85% 和 78% ，更與非營利環保組織 The Ocean Cleanup 合作，其黑膠唱片的再生材料，是使用於瓜地馬拉的拉斯瓦卡斯河（Rio Las Vacas）中攔截的塑膠。而在亞洲，廣受全球歡迎的韓流 K-pop 風潮，用來增加專輯買氣的小卡文化，一直以來也因為造成龐大的塑膠汙染飽受詬病。而由粉絲自發創立的公民團體 KPOP 4 PLANET，自 2021 年起持續向韓國娛樂界大型公司提起倡議與公開信韓、要求改變，終於在去年有些微改善──BTS 的所屬公司 HYBE 即宣布，未來旗下藝人推出的數位專輯將採更永續的設計，其外殼、內容物都改用可回收材質或紙質，封膜則使用可生物降解材料，相片卡也將使用水溶性塗層，以此讓回收更加簡單。

而食品企業之首的雀巢集團，早在 2021 年就開始將旗下少量品牌推入全新設計的可回收紙包裝中，也同步研發增強單一材質的包裝設計。服飾品牌 Uniqlo 開發機器回收羽絨製成全新產品，老牌文具品牌 Uni 推出以 100% 海洋塑膠垃圾與隱形眼鏡空盒回收再生且美觀的圓珠筆產品，這都是創新設計帶來的改變。

除此之外，新興公司像來自墨西哥的 Desserto 就研發了獲有機認證的仙人掌皮革，並與巴黎世家、adidas 甚至 BMW 等公司達成合作。來自義大利的 Krill Design 則運用地理優勢，在佔全球 3% 柑橘生產的西西里島收集食品工廠的廢棄柳橙皮，再透過 3D 列印，製成美觀實用的檯燈與家用品，還可以透過工業堆肥回收，讓美學更友善，成為每個人觸手可及的部分。而在台灣，將藝術涵蓋進入生活中最好的例子之一，無疑是國立歷史博物館與點睛設計合作，在今年初推出用整修後退役的舊建材開發的文創商品──商品將大理石板、屋瓦廢料為媒材，以常玉、李義弘、王南雄三位代表性藝術家的重要館藏作品作為設計理念，規劃成圓盤、擴香石、置物盤等紀念商品，讓原本可能要廢棄的建材可以重生，更讓藝術成為生活中直觀又貼近的角色。

永續時代  藝術生活全面性思考的展現

上述的各種案例展現出的，除了是透過創新設計將美感與永續結合的成果，更是一種軟性的理念傳遞，在潛移默化下將對自然的尊重、循環利用等想法植入印象，也製造機會在不經意間引起大眾的興趣與關注。然而，也更需要消費者自身在支持喜愛的作品時冷靜審度，才能真正產生正向的循環，推動更多人改變。除了反思我們自身生活中的各面向，在這個萬物皆永續的時代中，更為重要的或許還包含對事物表象後真實的探究之心，透過文化藝術行動關注環境問題，運用現代新技術為場域、觀眾、組織以及創作者發掘不同的路徑。

不過當藝術場館面臨對藝術存續對比自然永續的詰問，甚至作品遭受攻擊時，作為觀眾的我們所需要的，除了諷刺與不滿，也更需要思考如何妥善利用自己手中擁有的公民權利，達成監督與推動的角色。破壞藝術本身是一件會使人感到不適的行為，像是 2022 年一系列以名畫為目標的抗爭──從對《蒙娜麗莎》的突襲，到將自己黏在荷蘭莫瑞泰斯皇家美術館《戴珍珠耳環的少女》上，這些在媒體報導中的「極端」行為背後，雖然不見得帶來正面媒體效應，甚至可能導致與大眾產生溝通鴻溝，卻表達了對美術館此類場域之立場的質疑，並逼迫部分組織作出表態，比如英國國家肖像藝廊，就在此後與英國石油（British Petroleum）結束了長年的贊助關係。美術館與石油公司之間不明言的贊助合作關係，也正是大眾經常會忽略的角落，甚至大型企業運用基金會與藝文活動的各式合作進行具有漂綠嫌疑的行為，都會是除了場館直接減碳、運用環保素材等直觀模式外，需要被關注的地方。

當然，在這股綠色藝術的風潮同步席捲台灣的時刻，參與藝文活動甚至購買具有設計性的永續物品也逐漸成為潮流，且根據《臺灣視覺藝術永續行動研究報告》，有超過半數的創作者認為藝術與聯合國永續發展目標（SDGs）相關，更已採取永續行動。例如台灣藝術永續聯盟（TASA），即是在台灣積極響應永續轉型的行動聯盟，從倡議、行動、內容到育才等多元面向，進而回應藝術產業的轉型議題。另也有像是 CSRone 也以 Gita.Art 為溝通平台，傳遞藝術永續的資訊及靈感，不僅舉辦 SDGs Art 藝展滿五年，也持續透過永續雅集來傳遞藝術與生活的貼近。而一般民眾也傾向支持有意減少碳排放量的藝術工作者、機構。然而整體來說，不論是創作者還是民眾對幾個永續議題（比如 ESG）的了解，甚至政策倡議與藝術間的關聯影響，了解程度均偏低。種種跡象表明了台灣藝文界的改變，不過在對藝術永續的理解，進一步走到監督管束機構的力量上，我們也仍有一段路要繼續前進。

波麗露層疊、漸進的重複性，呼應連結與交織的概念，像是材料、時代與人際之間的反覆相連、深化與不斷轉換延續。

「連結」是所有事物產生共鳴、合作、蛻變、再生與融合的意念或行動，也是永續的初始本質。不論是物質、時代，抑或是人與人之間，皆能透過善與美的連結，賦予物件新的樣貌，創造舊材料新價值，滋養人際之間的溫潤與友善，孕育出富涵文化與美學的感悟。

 在這次展覽中，我們將以木炭、竹炭、回收玻璃與原生木材等為媒介，探索材料轉化、時代更迭與人際連結等種種關聯性。SDGs Art 2025 不僅傳遞永續藝術融入生活美學的理想，更期望為觀者帶來真善美的另類啟發。讓物質藉由循環產生美好的連結，就像波麗露舞曲反覆相連、深化與不斷轉換延續。

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林禹彤

順應木材原生的紋理塑形，透過木材温潤的質感，賦予作品生命、故事和個性。

黃敬中

1984年出生於台北市，畢業於東海大學美術系。

以炭為主要創作素材，不侷限於平面的立體表現、大小不一的木炭與筒形竹炭為其作品的獨特識別。刻意使用來自廢棄樹木竹林的修枝並經過窯燒火煉的竹炭木炭，將自義大利學到古典馬賽克技法，與台灣傳統剪黏工藝結合成為炭畫作品，灌注對於「生命曾經燦爛，遭遇火煉後的殘餘，再次豐盛生長」的哲思及循環永續的精神。期望未來創作方向能更深刻的討論及展現關於 “秩序/混沌”、“都市/自然”、“地質/宇宙” 等不同面向的主題。

鍾欣穎

取用早期生活中的雕花玻璃為主要元件，依玻璃上的雕花紋理，與金屬搭配，華麗變身成為嶄新物件。連結新舊時光，將舊時單純的美好帶到當下的日常之中。

永續的價值常展現在生活與文化的型態中，而帶動永續生活的日常實踐總比想像來得自在樸實又賞心悅目

今年生活雅集邀請您體驗生活中的五感永續

|  蔡明勳的茶甘露五感啟發、米國總統邱垂昌說米

|  千年傳承、融合今人喜愛的雅樂

   絕選旦角魏海敏親身說唱京劇、何佩庭繞樑三日的二胡演奏、古琴演奏第一

   人黃勤心與傑出笛簫演奏家劉穎蓉的琴與簫演出

|  藝術創作欣賞 – 鄭崇孝的家家有米和陳瑛傑的鑲嵌木雕工藝作品

支持為台灣默默貢獻的有機小農，每場將安排他們可口又能量滿滿的茶點心以及自然農法典雅茶席

日期：2024/10/26 (六)、11/2 (六)、11/22(五) ，共三個主題場次

時間：13:30~16:30

地點：台北市信義路三段178號5樓（捷運大安站3號出口）

為確保活動品質，每場次限額20位

請用本電子郵件信箱報名：[email protected]

待收到主辦單位之確認場次通知email後才屬報名成功

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主題場次主講人

10/26 二胡 何佩庭老師

臺北市立國樂團胡琴團員，國立臺灣藝術大學中國音樂學二胡演奏碩士。TCO青年國樂團樂團首席、TCO學院國樂團二胡首席、小巨人絲竹樂團二胡首席等。合作過的樂團有杭州民樂團、愛民頓中樂團 (Edmonton Chinese Orchestra)、陝西省歌舞劇院民族樂團等，演奏足跡遍布歐美亞洲多國。

11/2 京劇 魏海敏老師

國際知名京劇表演藝術家，梅(蘭芳)派傳人，國光劇團領銜主演。幼年受教於周銘新，及長受教於秦慧芬，畢業後受教於陳永玲、童芷苓。1991年拜入梅門，為梅葆玖先生首位入室弟子。魏海敏的傳統底蘊深厚，深得梅派精髓，擅長刻劃與演繹不同角色，所扮演的舞台人物跨越流派、穿梭古今，備受全球各地戲迷與表演藝術界的肯定。擅演《穆桂英掛帥》《貴妃醉酒》《白蛇傳》《鳳還巢》《霸王別姬》等梅派經典戲。

11/22 茶&米的對談 蔡明勳老師&米國總統 邱垂昌老師 琴與簫 黃勤心老師 & 劉穎蓉老師

蔡明勳老師

普洱茶協會理事，熱愛茶文化，遍訪台灣、海外各地自然有機茶農、茶師與茶園，主張把「茶園還給大自然」；熟捻六大茶系，以啟發五感與華夏文化引領茶文化欣賞與品味。

米國總統 邱垂昌老師

從設計師到專業稻農，自許是土地的長工、水稻的園丁，池上鄉首屆米王。用科學的精神推落去；用邏輯的方法樵落去；用堅定的感情搏落去；用勇敢的氣魄撩構。用懷抱著大地、無比堅毅且執著的光與熱，奮勉勤耕，從秧苗到結實纍纍，就像大地的保姆一般，悉心呵護著一群不會說話的小孩，不但孕育出好看、好吃、且安全、健康的優質好米。也讓消費大眾在享用好米的同時，可以感懷大自然、享受大地恩寵的禮物，讓大地無限的生命豐美我們的生活。

黃勤心老師

臺北藝術大學傳統音樂學系學士，臺南藝術大學民族音樂學碩士。 「若水 – 琴心」入圍第三十屆傳統音樂金曲獎最佳專輯， 電影「刺客聶隱娘」擔任古琴指導，創作琴曲「青鸞舞鏡」收錄於電影原聲帶。

劉穎蓉老師

國立臺灣藝術大學中國音樂學系學士、國立臺南藝術大學民族音樂學研究所碩士。2011年，以演奏尺八古曲《鹿の遠音》入圍日本NHK邦樂選秀會合格，該錄音透過廣播於日本全國放送，為臺灣第一位獲得此殊榮的尺八演奏家；同年與南藝大日本箏‧尺八樂團錄製的專輯《春の海》入圍傳統暨藝術音樂金曲獎最佳傳統音樂詮釋獎。曾赴奧地利、西班牙、日本、香港、中國大陸等地演出，皆獲好評。

作者：Amy Lin

藝術具有強大的反省思辨、創意組合與情感影響力；而文化則是先民們長期積累的生活與生命智慧。真誠的愛、關懷與智慧，是促使人類掙脫短視功利、邁向文明進步的最大啟動因子。近年隨著永續發展思潮興起，關心環境或社會正義的全球文化藝術家們，正在發揮著無窮想像力和影響力，提醒世人建造未來永續生活環境，攸關「美學」的態度和精神氛圍，至關重要。

「藝術」與「文化」是被保護的對象，也是永續重建的指引

隨著越來越多藝術家們加入實踐氣候行動，世人逐漸認知到「藝術」和「文化」既是「被保護的對象」，同時也是「重建永續」的核心指引。近年越來越多大型國際創新及永續會議，把藝術或文化元素融入活動其中，使得論壇會議於政策、科學、知性之外，更多了一分美學與感動。

COP26、杜拜世界博覽會皆如此，國內永續盛會「台灣永續趨勢與分析發表會」亦從2021年起，舉辦SDGs Art 2021，首開亞洲先例，結合「藝術」與「永續」，更實踐藝術展覽的低碳行動，彰顯彼此激勵的加乘效應。藝術能夠感動人、觸發觀者思考，更能夠啟發觀者行動。而SDGs Art 展會正是以藝術為介面，讓永續扎根於企業文化，讓個人生活中有永續的理念。

今年在埃及舉辦的聯合國氣候高峰會COP27，周邊街道、大廳和畫廊處處可見運用「藝術」或「文化遺產」影響「氣候行動」的美學案例。包括COP27的開幕典禮長達2小時，尾聲即是由表演團體以舞蹈肢體與字卡，利用前後互疊的剪影特殊效果，帶出「齊力實踐」的溫馨主題。

CHN提供應用軟體，推播COP27藝術文化活動

國際非政府組織「氣候遺產組織」（Climate Heritage Network, CHN）今年也與廠商合作，提供 Culture@COP27應用軟體，以工作清單方式，依照日期標誌出會議期間所有文化藝術活動，方便實體或線上參與。

英國畫家為COP27作畫

英國畫家Jasmine Thompson為COP27創作12幅畫作，表達她對氣候變遷的想法，主題包括環境保育、生物多樣性、聯合行動、氣候緊急。另一位英國藝術家Andy Council則描繪出家鄉英格蘭布里斯托2030年的景象，那是一座滿是樹木和綠色植物的青翠城市，建築物配備太陽能電池板，人們步行或騎著自行車穿梭於中。

今年COP27為期2周的會議期間，也分別訂定11個專題日，其中11月10日就是「青年及未來世代」專題日。同時，COP27針對年輕世代，特別規劃出「兒童暨青少年館」——無論是透過抗議行動，或者是繪畫、音樂、舞蹈、色彩繽紛的服裝等方式，提供年輕世代向全球政治領導人傳達信息的機會。

COP27「韌性中心」用創意增強氣候行動力量

而為了彌補COP會議正式談判以龜速前進、成效不彰的缺憾，COP會議從去年COP26開始設置「韌性中心」（Resilience Hub）——以企業、學術機構、民間團體、社區為對象，希望讓所有於氣候行動中展現出的絕佳創意、潛力與成就，都可以被世人看見，達到倡議合作、交流學習功效。這個兼具實體與線上的包容性空間，去年獲得了極大的成就，牢牢團結了全球各大洲的氣候行動者，於是今年更是卯足勁進行。

今年打造出的「韌性中心館」（Resilience Hub Pavilion），以「創意」和「互動」為訴求，邀請藝術家、漫畫家、時裝設計師、程式設計師，透過藝術作品、影音遊戲、VR技術，呈現多元文化氣候行動的參與性、創造性和解決問題的方法。所舉行的相關討論，也都上傳網站。

「韌性中心」今年共策畫9個主題，其中之一就是「藝術、文化、文物和遺產」。主題規劃者亦來頭不小，包括：成立於2019年，矢志將藝術文化導入氣候行動的重量級非營利永續藝術機構「氣候遺產網絡」（Climate Heritage Network），以及成立於2006年倫敦赫赫有名的永續藝術慈善機構「茱莉的自行車」（Julie’s Bicycle）。

今年「韌性中心」所打造的創意互動空間。包括與「世界藝術論壇」（World Art Forum, WAF）合作多項永續藝術展覽；推出「團結之樹」讓觀眾互動添加樹葉和生物。另外還有9集播客特別節目、11個童話故事音頻，古埃及女神拼貼畫集體藝術工作坊，以及VR和遊戲區等。

其中展演的虛擬遊戲，包括：「來玩生態吧」《Eco》——在虛擬星球上透過成千上萬的動植物模擬，避免流星碰撞以合作創造文明。還有《花園故事》，一款以可愛造型葡萄為主人翁的角色扮演遊戲，遊戲者必須尋找資源、對抗入侵的腐敗，以恢復社區安寧。《花園故事》亦曾獲得11座獎項的肯定。

特別值得一提的是，「韌性中心」在一場全球各國經驗交流聚會，還邀請到矢志將「藝術」融入「永續」的作曲家、流行音樂歌手兼創業家AY Young在 COP27現場表演。AY Young是聯合國17位SDGs青年大使之一，他曾經為SDGs創作17首歌，同時也是全球第一位100%使用再生能源製作唱片的歌手。

聯合國氣候冠軍隊：「藝術」開拓無限可能性，產生恆久影響

其實，這2年來聯合國在連結「藝術文化」與「減碳永續」做了許多努力。包括主動倡議「淨零競賽」（Race to Zero）與「韌性競賽」（Race to Resilience）。並且將這2項競賽的佼佼者組成「氣候冠軍隊」（Climate Champions Team），請他們做出更多的貢獻與示範。

「氣候冠軍隊」在2021年10月與非營利永續藝術機構ReGenesis合作，舉辦一項名為《未來迴聲》的數位化藝術展，共甄選出8位傑出藝術家和機構，主題涵蓋再生農業、太陽能、教育、社區參與。這些精采熟成的藝術家以其長期積累的創意養分，所完成的永續作品非常發人深省，值得連結欣賞。

1. Doron Gazit
2. Little Sun, founded by Olafur Eliasson
3. Evelyn Anca
4. Runa Ray
5. Faraj Srour & Neomi Maggeni
6. Øyvind Engevik (Engwind)
7. Matteo Zamagni
8. Jon Wreal

其中姑且以環境藝術家、活動家、工業設計師Doron Gazit為例。他所設計的「紅線專案」，在阿拉斯加、蒙特婁、加州、廢棄礦區、廢車場等地點拉起紅線，充分達到怵目驚心的警示效果。

Evelyn Anca創作的眾多系列，其一便是利用廢棄物來創作藝術品，旨在提醒世人節制消費、勿製造垃圾。

環保時裝設計師RUNA RAY所製作的海洋時裝、綠藻連身衣、圍巾，則甚受美國時裝協會成員、葛拉美獎得主的認可與青睞，

「氣候冠軍隊」認為，打造宜居星球是每一個人都必須面對的現實。而藝術創造了全新的、無限擴展式的體驗和可能性，超越傳統由文字形成的規範和結構。藝術這種新的角度與觀察方式，能夠打動人心並且產生持久的影響。

至於法國一本關注當代藝術和環境的法英雙語線上月刊Impact Art News，也從2018年4月以來持續採訪，那些支持生態和SDGs相關的藝術家、策展活動和專案項目。

歐盟倡議「藝術」或「文化遺產」與「氣候變遷」著力最深

放眼國際，目前對於「藝術」或「文化遺產」結合「氣候變遷」，啟動最早、著力最深的機構當屬歐盟。歐盟對「藝術」或「文化遺產」曾經做出清晰的定義，並且早在2010年就啟動「文化遺產和全球變遷聯合倡議計劃」（Joint Programming Initiative on Cultural Heritage and Global Change, JPI CH）。

他們具體列出應受保護的對象，包括：

1. 有形遺產：包括人工製品（例如考古發現、物品、繪畫）、建築物、構築物、景觀、城市和城鎮、工業、水下考古和遺址。這些涵蓋有形遺產所在的位置、與自然環境的關係及建造遺產的所有材料，從史前岩石到尖端塑料和電子產品。
2. 非物質遺產：包括社區、團體和個人創造、使用和代代相傳的社會和節日習俗、呈現形式、表達內容、知識和核心精神。「非物質遺產」涵蓋自發性和參與性的行動，對於文化的審視盤查、教育和保護具有功效，對當代社會挑戰（例如永續發展、社會凝聚力或文化多樣性）亦具有無形貢獻。
3. 數位化遺產：包括文本、數據庫、靜態和動態圖像、影音視頻、圖形、軟體和網頁。這些數位化遺產中有些是針對有形既存的具體對象，透過掃描或轉換而創建的，有些則是以原始數位化的方式所創建。
4. 自然遺產：沿用聯合國教科文組織（UNESCO）的定義，從「科學」、「保育」或「自然美」的角度來看，對於受威脅之動物植物物種棲息地的「自然特徵」、「地質」和「地理」，具有價值性的自然遺址，以及其劃定的區域。範圍涵蓋私人和公共保護區，包括：自然區域、動物園、水族館和植物園、自然棲息地、海洋生態系統、保護區或水庫。

該組織指出，除了自然老化以外，這些眾多的藝術「文化遺產」還面臨其它威脅：氣候變遷、污染、快速城市化、大眾旅遊、人為疏忽、故意破壞、恐怖主義。他們同時提出「遺產科學」（Heritage Science）的創新概念，希望借重人文、科學、工程跨領域學科的合作，讓藝術「文化遺產」同時扮演「妥善保護」與「指導重建」的雙重功效。

結論：「藝術」和「文化遺產」建立認同感和歸屬感

無論是有形還是無形，「藝術」和「文化遺產」是個人創造力和集體身份展現的核心元素。透過「藝術」及「文化遺產」，我們建立起社會或團體的共同價值觀、信仰、儀式、傳統和相處方式。這些無形資產以情感羈絆的方式，將人們緊緊地凝聚在一起；就個人而言，它使人們產生認同感和歸屬感。

看完今年COP27於「藝術」結合「永續」多元豐富、精彩創新的展現方式，也認知到「藝術」或「文化遺產」具有凝聚人心、指引永續重建方向的效益，未來台灣企業在舉辦各項重要活動時：周年慶、發表會、慶生會、尾牙，甚至是董事會、法說會、股東會，能否也考量納入藝術文化氣息呢？

核稿：繆葶