藝術與設計間 環境與永續的辯證
藝術與永續，在永續風潮興起的近幾年間逐漸被納入討論範疇，儘管「永續藝術」一詞近期才發展成型，但在此之前，許多創作者、藝術家就已經實踐了相應的價值。實際上，藝術作為一種反映人類情感的媒介與行為，早在 19 世紀時就已開始轉向永續──當時部分藝術家為展現對工業化的抵制，將繪畫重點轉移到自然環境，就可以說是我們認知上西方藝術界向永續轉變的開始，這些藝術家引入了一種思維方式的新轉變，在作品中更加尊重和美化自然環境。而自 1950 年代開始，藝術家們不再以自然作為唯一主題，而是將其視為實際材料，人們越來越意識到氣候變遷的重要性，也促使藝術家開始在他們的創作中傳達、強調永續相關主題，並試圖通過作品引起社會注意。到了1960 與 1970 年代，更多藝術家挑戰傳統的畫廊模式，創作專屬某地並使用地球和環境作為媒介的作品，這些作品也被稱為大地藝術（Land Art），作品也可說是永續性藝術（Sustaiable Art）一詞的起源與初始。
到了現代，因為傳達媒介的多樣化，永續藝術也有了多種定義與展現。藝文界除了透過藝術作品傳達情緒、引起思辯的本質來引導觀賞者思考，更有許多先鋒組織正透過倡議要求藝文界產生改變。例如美國百老匯聯盟旗下的百老匯綠色聯盟（Broadway Green Alliance），2008 年時就已經推出大量計畫，致力讓百老匯的音樂劇產業變得更加環保永續，包含每年在時代廣場舉辦的電子垃圾收集活動，還有確保永續概念納入百老匯演出的每個環節的「綠色隊長計畫（Green Captain Programs）」，邀約對劇院相關永續有興趣的人們成為倡議者。著名的英國非營利組織茱莉的自行車（Julie’s Bicycle）則長期倡議藝文產業減碳活動，也與英國藝術協會合作，為歌劇團、美術館與博物館等組織提供研究與檢測碳足跡的工具，致力以科學與專業促使藝術和文化成為應對氣候、自然和正義危機的一份子。人們持續反思藝術文化在永續當中所扮演的位置，並透過探索、提出更多對永續的疑問；而過往肩負公共教育責任的藝文場所，則擔任起觸發民眾反思的積極角色，讓作品不再只是被凝視，而是創新想法的揭示者。
視覺作品與社群 衝擊思維帶來思考
提到藝術作品或展覽，對許多民眾來說或許仍有距離感，甚至是陌生的；但其實視覺作品、影音畫面，也是藝術的一種形式。特別是在現代科技的發展下，網路媒體與社群的普遍性，則讓影音成為更能迅速引起反響的媒介，也讓部分能引人注目的作品成為流量之選。例如最早將北極熊與環保意象連結，就是源自一系列攝影師的社群作品── 2015 年時，德國野生動物攝影師 Kerstin Langenberger 於臉書發布在斯瓦爾巴群島（Svalbard）拍攝的北極熊照片，並猜測其飢餓瘦弱的模樣是因為氣候變遷讓海冰減少，導致北極熊難以獲得充足獵物；同時，有更多不同攝影者的類似照片在網路流傳，2017 年國家地理（National Geographic）攝影師的紀錄《Starving Polar Bear》更是在全球廣泛引起關注迴響。
圖片來源：Kerstin Langenberger ）
另一個點燃全球對環境重視的案例，即為 2015 年海龜因塑膠吸管堵塞鼻孔而痛苦掙扎的影片，這起風潮促使全球超過 15 個國家頒布一次性塑膠製品的禁令，且根據非盈利組織海洋保護協會（Ocean Conservancy）2023 年的報告，海灘清理中發現塑膠吸管的頻率也從 2019 年第三大最常見的收集物品降至第 10 位。這些媒體傳播揭露的現實，與直至今日我們提到永續環保時仍能下意識想起北極熊、海龜的深遠影響，都證明了當代社會下，視覺作品將更能喚起同理心，並提高個人與自然世界之間的聯繫感與瞭解的力量。
更多人也正透過攝影作品與展覽，試圖引發社會對不同面向永續議題的思考。像是在 2024 年鳥類攝影獎中獲得環保類頭獎的作品《When Worlds Collide》，紀錄了遭到城市建築「窗殺」的鳥類，超過4,000隻鳥兒的遺體被排成一個個巨大同心圓，如此震撼的畫面，期待引起更多對城市建築反光對動物們帶來致命影響的注意。
除影視外， 2019 年藝術家克勞斯李特曼（Klaus Littmann）就曾於奧地利的韋爾特湖球場足球場（Wörthersee Stadion）內，打造大型的森林裝置藝術《For Forest》，移植將近300 棵樹到足球場上，創造出中歐原生森林的印象，以此提醒人們也許有一天，大自然將只能像這樣出現在類似博物館的空間內，成為展品供人觀賞，而這奇異的主題也在社群媒體上引起打卡的風潮。
圖片來源：La Vie ）
在台灣，除了齊柏林導演著名的《看見台灣》系列電影帶領更多人關注，揭發台灣面臨的自然環境污染與舞弊事件；還有顏蘭權導演在暨《無米樂》後，歷時八年，再次於去年發布紀錄片《種土》，描繪因長年使用化肥與農藥而漸漸成為「死土」的土壤，運用影像喚起大眾對土壤健康議題關注；以及近 40 年來都為環境議題耕耘奔波的柯金源，累積出 20 多萬張環境紀錄圖像與紀錄片、書籍等，紀錄台灣的自然變遷，促使更多人投入不同層面的環境保護，至今仍服務於公共電視台。另外，台灣的新銳藝術家張徐展，也以定格動畫敘述氣候變遷所導致的生態環境變化，白蟻的飲食習慣改變並轉而食用人造電纜的故事，作品於鹿特丹影展首映，並將於今年台北當代的「斷電」展區展出。這些影視、藝術創作者，透過現代藝術媒介與多元媒體傳播方式，引起更多群眾對環境的關注，也啟發更多的批判性地思考，來想像自身在保護環境中的角色與力量。另一方面，這也在網絡世代中形成不同於傳統政治與新聞媒體的新興能量，讓各種活動與討論能有機會擴大傳播範圍，讓藝術、知識不再如此難以企及。
理念與實際的距離 以設計拉近建構全新日常
然而在現實層面來看，就算各種照片、影片與展覽掀起迴響，真實數據仍令人沮喪。不僅全球平均氣溫持續上升，根據 OECD 的報告全球塑膠的使用與生產量早已在 2020 年達到了 4.35 億噸，預計會持續以更快的速度增加。藝術創作或許可以帶來反思、挑起爭論，甚至是簡化複雜的概念，並讓更廣泛的觀眾接受且迅速傳播，但很多時候生活中對於藝術所傳遞理念的實踐仍難以企及。如何讓藝術中傳達的永續想法、甚至是美感得以進入生活，我們能利用的或許是一直在使用和藝術之間找尋共通語言的「設計」的力量。而怎麼將對世人的詰問轉化為對生活有價值的實體呈現，使永續價值組成日常的每個角落，則是現下許多設計不斷應用與發展新材料，甚至轉化舊有生產流程的原因之一。
生活中的食衣住行，除了近年討論熱烈的綠建築與建材、快時尚服飾業等問題外，從食品、音樂到娛樂都可能涉及碳排放與污染。那些過往被視為無煙囪產業的領域，經常忽視了現代計算碳排放時提及的「範疇三」。在受到各項倡議以及社會期待的影響下，不少創作者與藝人都開始在設計發行作品中更關注永續性。像是著名英國樂團 Coldplay 除了在演唱會各方面推動減碳，如重複回收使用 100% 可堆肥的植物材料腕帶，首創發行以寶特瓶回收製成的環保黑膠唱片（Eco Record）和環保CD（Eco CD），預計碳排放量會比傳統製作分別減少 85% 和 78% ，更與非營利環保組織 The Ocean Cleanup 合作，其黑膠唱片的再生材料，是使用於瓜地馬拉的拉斯瓦卡斯河（Rio Las Vacas）中攔截的塑膠。而在亞洲，廣受全球歡迎的韓流 K-pop 風潮，用來增加專輯買氣的小卡文化，一直以來也因為造成龐大的塑膠汙染飽受詬病。而由粉絲自發創立的公民團體 KPOP 4 PLANET，自 2021 年起持續向韓國娛樂界大型公司提起倡議與公開信韓、要求改變，終於在去年有些微改善──BTS 的所屬公司 HYBE 即宣布，未來旗下藝人推出的數位專輯將採更永續的設計，其外殼、內容物都改用可回收材質或紙質，封膜則使用可生物降解材料，相片卡也將使用水溶性塗層，以此讓回收更加簡單。
圖片來源： Coldplay EU ）
而食品企業之首的雀巢集團，早在 2021 年就開始將旗下少量品牌推入全新設計的可回收紙包裝中，也同步研發增強單一材質的包裝設計。服飾品牌 Uniqlo 開發機器回收羽絨製成全新產品，老牌文具品牌 Uni 推出以 100% 海洋塑膠垃圾與隱形眼鏡空盒回收再生且美觀的圓珠筆產品，這都是創新設計帶來的改變。
除此之外，新興公司像來自墨西哥的 Desserto 就研發了獲有機認證的仙人掌皮革，並與巴黎世家、adidas 甚至 BMW 等公司達成合作。來自義大利的 Krill Design 則運用地理優勢，在佔全球 3% 柑橘生產的西西里島收集食品工廠的廢棄柳橙皮，再透過 3D 列印，製成美觀實用的檯燈與家用品，還可以透過工業堆肥回收，讓美學更友善，成為每個人觸手可及的部分。而在台灣，將藝術涵蓋進入生活中最好的例子之一，無疑是國立歷史博物館與點睛設計合作，在今年初推出用整修後退役的舊建材開發的文創商品──商品將大理石板、屋瓦廢料為媒材，以常玉、李義弘、王南雄三位代表性藝術家的重要館藏作品作為設計理念，規劃成圓盤、擴香石、置物盤等紀念商品，讓原本可能要廢棄的建材可以重生，更讓藝術成為生活中直觀又貼近的角色。
永續時代 藝術生活全面性思考的展現
上述的各種案例展現出的，除了是透過創新設計將美感與永續結合的成果，更是一種軟性的理念傳遞，在潛移默化下將對自然的尊重、循環利用等想法植入印象，也製造機會在不經意間引起大眾的興趣與關注。然而，也更需要消費者自身在支持喜愛的作品時冷靜審度，才能真正產生正向的循環，推動更多人改變。除了反思我們自身生活中的各面向，在這個萬物皆永續的時代中，更為重要的或許還包含對事物表象後真實的探究之心，透過文化藝術行動關注環境問題，運用現代新技術為場域、觀眾、組織以及創作者發掘不同的路徑。
不過當藝術場館面臨對藝術存續對比自然永續的詰問，甚至作品遭受攻擊時，作為觀眾的我們所需要的，除了諷刺與不滿，也更需要思考如何妥善利用自己手中擁有的公民權利，達成監督與推動的角色。破壞藝術本身是一件會使人感到不適的行為，像是 2022 年一系列以名畫為目標的抗爭──從對《蒙娜麗莎》的突襲，到將自己黏在荷蘭莫瑞泰斯皇家美術館《戴珍珠耳環的少女》上，這些在媒體報導中的「極端」行為背後，雖然不見得帶來正面媒體效應，甚至可能導致與大眾產生溝通鴻溝，卻表達了對美術館此類場域之立場的質疑，並逼迫部分組織作出表態，比如英國國家肖像藝廊，就在此後與英國石油（British Petroleum）結束了長年的贊助關係。美術館與石油公司之間不明言的贊助合作關係，也正是大眾經常會忽略的角落，甚至大型企業運用基金會與藝文活動的各式合作進行具有漂綠嫌疑的行為，都會是除了場館直接減碳、運用環保素材等直觀模式外，需要被關注的地方。
當然，在這股綠色藝術的風潮同步席捲台灣的時刻，參與藝文活動甚至購買具有設計性的永續物品也逐漸成為潮流，且根據《臺灣視覺藝術永續行動研究報告》，有超過半數的創作者認為藝術與聯合國永續發展目標（SDGs）相關，更已採取永續行動。例如台灣藝術永續聯盟（TASA），即是在台灣積極響應永續轉型的行動聯盟，從倡議、行動、內容到育才等多元面向，進而回應藝術產業的轉型議題。另也有像是 CSRone 也以 Gita.Art 為溝通平台，傳遞藝術永續的資訊及靈感，不僅舉辦 SDGs Art 藝展滿五年，也持續透過永續雅集來傳遞藝術與生活的貼近。而一般民眾也傾向支持有意減少碳排放量的藝術工作者、機構。然而整體來說，不論是創作者還是民眾對幾個永續議題（比如 ESG）的了解，甚至政策倡議與藝術間的關聯影響，了解程度均偏低。種種跡象表明了台灣藝文界的改變，不過在對藝術永續的理解，進一步走到監督管束機構的力量上，我們也仍有一段路要繼續前進。
